La Fondation PHI présente une sélection de ses contenus favoris tirés de ses archives.

Sélection par Dahlia Cheng, stratège numérique et coordinatrice aux projets imprimés, et Magdaléna Faye, coordinatrice administrative à la Fondation PHI.

Depuis sa création en 2007, la Fondation PHI a su se démarquer par sa présentation d’artistes contemporains internationaux et son programme d’éducation. Anciennement connue sous le nom de DHC/ART, la Fondation présente deux à trois expositions chaque année en espérant de faire vivre au public des expériences percutantes avec l’art contemporain. Ses expositions abordent des thèmes audacieux, accommodant tous les médiums, allant de la peinture jusqu’à l’installation vidéo. Avec soin, la Fondation transforme ses espaces peu conventionnels pour illustrer la vision des artistes invités et plonger les visiteurs dans leur univers. Ici, deux membres de l’équipe vous partagent leurs moments favoris de sa programmation.

Magdaléna Faye: Si l’usage de la vidéo est devenu omniprésent et a su se construire une légitimité dans le milieu des arts, c’est en partie grâce à des artistes comme Bill Viola. Dans le cadre de la programmation de son 10e anniversaire, la Fondation PHI a eu le privilège de présenter le travail de cet artiste américain ayant aujourd’hui une renommée internationale. Ses œuvres mettent en exergue des thèmes qui lui sont chers: la naissance, la mort, l’amour ou encore la douleur. L'avantage de l’art contemporain, c’est qu’aucune pensée n’est dictée d’avance. Le spectateur est ainsi libre d’interpréter chaque oeuvre à travers son vécu personnel et en fonction de son ressenti face à celle-ci. Dans l’œuvre The Return (2007), faisant partie de l’exposition, j’y vois un bref retour, d’un être disparu, dans le monde des vivants. Ayant conscience de sa condition, son passage fragile et rapide est ponctué à la fois de joie et de désolation. 

Deux autres artistes, issus du milieu des nouveaux médias, ont également exposé leur travail à la Fondation. Les œuvres de l’exposition What Has Been Seen, de novembre 2019 à mars 2020 d’Eva & Franco Mattes présentent les possibilités offertes grâce au développement du numérique, mais également son impact négatif. Le spectateur, immergé dans les salles d’exposition, se retrouve alors confronté à des images et des œuvres, telles qu’il ne les attendait pas et n’a d’autre choix que de plonger en introspection. On pense en particulier à l’œuvre Emily’s Video (2012) qui force le spectateur à s’interroger sur l’absence de limite sur ce qui peut être filmé, partagé et regardé. Est-ce que ce que je vois, à travers un écran, est vrai? Peut-on tout filmer? Peut-on tout partager? Quelles sont les limites des nouvelles technologies et par extension: quelles sont mes propres limites en tant qu’individu?

Magdaléna Faye: La photographie infrarouge a été avant tout utilisée par l’armée lors de la Première Guerre mondiale, notamment pour faciliter les travaux de cartographie. En utilisant cette technique dans The Enclave pour faire passer les teintes vertes à rouges, l’artiste Richard Mosse dévoile un nouvel aspect de la photographie et de la documentation de guerre. Parti dans l’est de la République Démocratique du Congo en 2012, en pleine zone de conflit, Richard Mosse en revient avec des images presque oniriques dans le but de démontrer la capacité de l’art à représenter la guerre, une guerre qui est restée sous-médiatisée et dont la violence demeure difficile à raconter.

Dahlia Cheng: Durant mon adolescence, je me suis familiarisée avec les projections nocturnes de Jenny Holzer dans les espaces publics à New York, les croisant souvent parfois lors de mes promenades. De voir ses œuvres textuelles à la fois personnelles et sociopolitiques illuminer des salles d’exposition à Montréal était donc un moment particulièrement mémorable, ramenant ces sentiments de familiarité et de nostalgie. Utilisant des techniques d’affichage publicitaire de masse tels que les projections surdimensionnées et les slogans en lumières DEL, ses messages sont à la fois frappants, stimulants et inspirants.

Dahlia Cheng: Lorsque j’ai commencé à en apprendre plus sur l’art contemporain, John Currin fût l’un des premiers artistes auquel je me suis intéressée. J’étais très surprise d’apprendre qu’une galerie du Vieux-Montréal présentait une rétrospective de ses œuvres. L’inclusion de certains de ses tableaux inspirés à la fois par la pornographie et par l’histoire de l’art dans son exposition de 2011 m’indique que la Fondation n’a jamais eu peur de prendre des risques et de réfléchir aux tensions entre le bon et le mauvais goût.

Les œuvres de Phil Collins nous accrochent facilement par des sons familiers (avec les chansons de The Smiths dans the world won’t listen), par une esthétique léchée (avec les cabines d’écoute dans my heart's in my hand, and my hand is pierced, and my hand's in the bag, and the bag is shut, and my heart is caught) et par une invitation à s’immerger totalement dans une installation artistique (avec les jours d’école et les soirées DJ dans Bring Down The Walls). À travers ses œuvres, nous découvrons que la musique peut effectivement être utilisée comme une porte d’entrée pour nous faire réfléchir à nos enjeux sociaux actuels, tels que l’itinérance et le système carcéral. D’expérimenter la galerie en tant que boîte de nuit jusqu’à 6 heures du matin demeure l’une de mes expériences préférées à la Fondation. Jamais n’ai-je eu autant de plaisir à travailler lors d’une exposition!