Javier Calvo
Javier Calvo est né en 1981 à San José, au Costa Rica, où il vit et travaille. Il a eu des expositions individuelles au Musée d’art et de design contemporain, avec ses expositions Dislocal et Autonomías à la galerie Kiosko, Santa Cruz de la Sierra, en Bolivie. Ses œuvres ont été exposées en Amérique centrale, aux États-Unis, au Brésil, au Mexique, en Australie, au Brésil, en Chine, en Égypte, en Islande, aux Pays-Bas, en Allemagne, en République tchèque et au Paraguay, entre autres. Dans l’exposition de groupe, Video Sur, Palais de Tokyo, Paris, France. Bienal de Curitiba, Curitiba, Brésil. Art vidéo en Amérique latine, Pacific Standard Time: LA/LA Latin American and Latino Art in LA, LAXART, Los Ángeles, États-Unis. The other day we walked down Wallstreet, Sies + Höke, à Düsseldorf, Allemagne, 2017. Perspectivas Latinas #18, Städtisches Galerie Wolfsburg, Wolfsburg, Allemagne. X Biennale de l'isthme centraméricain, Old United Fruit Company Building, Limón, Costa Rica, 2016. Ensamble sin Órganos, Centre d’art contemporain Wilfredo Lam, La Havane, Cuba, 2016. Biennale internationale d’Asuncion, Asuncion, Paraguay, 2015. No One Belongs Here More Than You, Despacio, San José, Costa Rica, 2016. XXXL Biennale d’art de Pontevedra «Utrópicos», Musée de Pontevedra, Espagne, 2010. New Fantasies, Teor/éTica, San José, Costa Rica, 2013. Il a récemment remporté le prix du National Hall of Visual Arts, San José, Costa Rica, 2017. Prix national J. Aquileo Echeverría en arts visuels, 2013. Prix unique, «Inquieta imagen» 7e édition, Musée d’art et de design contemporain, 2013. Bourse du FONCA pour les artistes ibéro-américains et des Caraïbes, 2014. Sélectionné pour représenter le Costa Rica à la neuvième Biennale d’art visuel de l’Isthme centraméricain. Prix, Valoarte VIII Edition, San José, Costa Rica, 2009. Ses œuvres figurent dans des collections telles que celles de la Fundation TEOR/ética, le Musée d’art et de design contemporain, le Musée d’art costaricain, San José, Costa Rica. Random Institute, Zurich, Suisse et Städtische Galerie Wolfsburg, Allemagne.
Susana Pilar
Susana Pilar est née à Cuba en 1984. De 2011 à 2013, elle a fait des études de troisième cycle en nouveaux médias à l’Université des arts et du design de Karlsruhe (HfG) grâce à une bourse du DAAD, en Allemagne. De 1998 à 2008, elle a étudié à l’Académie des beaux-arts «San Alejandro» et à l’Institut supérieur des arts (ISA) de La Havane, Cuba. Cette année, elle a été artiste en résidence dans le cadre de la bourse de recherche CAD+SR 2019-20 et professeure invitée à l’Université hongroise des Beaux-Arts de Budapest, en Hongrie, grâce à la bourse de la Fondation Peter et Irene Ludwig. Elle a également reçu le prix du CIFO Grants & Commissions Program, Miami, États-Unis, 2019; AIR de l’Académie des Beaux-Arts de Vienne, Autriche, 2017; Apexart Fellowship, New York, États-Unis, 2016; KulturKontakt, Vienne, Autriche, 2013; Résidence MAP à ARTEZ et B93, Enschede, Pays-Bas, 2010-2011; la Fonderie Darling de Montréal, 2009 et autres. Parmi les expositions collectives et les lieux internationaux auxquels elle a participé, on peut citer la 6e Biennale de Lubumbashi, République démocratique du Congo (2019); la 13e Biennale de La Havane, Cuba (2019); Resilience and Resistance in African Diaspora, New Museum of African Civilizations, Dakar, Sénégal (2018); 56e Biennale de Venise, Pavillon cubain, Italie (2015); 1ère Biennale de la Martinique (2013); Prome encuentro Bienal Arte Contemporaneo di Caribe, Aruba (2012); la 3e Biennale Arts Actuels Réunion, île de la Réunion (2011) et la 7e Biennale de Gwangju en Corée du Sud (2008).
kimura byol-nathalie lemoine
kimura byol-nathalie lemoine (키무라 별 – 나타리 르뫈 – 木村 ビヨル – ナタリー レムワンー) est un.e artiste conceptuel.le féministe en multimédia principalement la vidéo, calligraphie pop art, écriture et des collaborations qui de par son vécu, questionne indéniablement la binarité du genre, la perception des identités des genres, raciale, la linguistique dans la «perte» volontaire ou involontaire par traduction et les corps comme objet commercial. En donnant une voix et une visibilité aux minorités, l’archivage des récits est une façon de redonner la crédibilité d’une mémoire non eurocentrique sur les identités. kimura*lemoine est co-fondeur.e des groupes et associations: Euro-Korean League (1991, Belgique), EKL-Korea Branch (1994, Corée du Sud), K.O.A (Korean Overseas Adoptee, 1996, Corée), KameleonZ (1996-1996, Corée), KimLeePark (1998, S/Korea) G.O.A’L (1998, Corée), O.K.A.Y.-Books (2001-2008, S/Korea-Canada), Orientity (2004-2007, international), N.O.K.I.A.A. (Network of Korean International Adoptee Artists, 2010), Adopté.e.s Queer Asiatiques/Autochtones/Afro-descendants (A.Q.A, 2015), et ses dernières contributions à la communauté des adopté.e.s inter-raciaux est le site A.C.A (Adoptees Cultural Archives, 2015) pour documenter l’histoire de la culture de ces adopté.e.s, et K.A.R.M.A (2018, Corée). En tant qu’artiste, kimura*lemoine a reçu le soutien du M.A.I (2015-2016), de Regard sur Montréal (CALQ, ACIC/ONF, 2017) du CALQ (Project ’88 etc, 2019) et CAC (ConnexiOnze, 2020). En 2020, kimura*lemoine finalise Adoption 30 ans après (ACIC/ONF, 2020) et a exposé à Dazibao (Montréal, mars 2020), expose en groupe à la galerie Bradley Ertaskiran (juillet-août 2020) et coordonne le projet collaboratif «ConnexiOnze» (micro-bourse CAC). Son livre 88 etc… (Je me souviens) sortira en novembre 2020.
Thanu Yakupitiyage
Thanushka Yakupitiyage est une artiste multidisciplinaire, DJ, organisatrice culturelle et activiste née au Sri Lanka, élevée en Thaïlande et basée à Brooklyn. L’art de Yakupitiyage intègre la production sonore et la narration d’histoires. Elle est également connue sous le nom de DJ Ushka, où elle traverse les genres à travers la musique électronique club et bass. Elle s’est produite aux États-Unis, au Mexique et au Canada, notamment dans des institutions telles que le Brooklyn Museum, le MoMA PS1, l’American Museum of Natural History, le Rubin Museum, The Shed, le Harbourfront Centre de Toronto et la Fondation PHI de Montréal. Thanushka est une incontournable de la vie nocturne queer de New York, ayant organisé la fête iBomba pendant six ans et des soirées de DJ telles que Papi Juice, Gush, Ragga, le Nouvel An lunaire du Yellow Jackets Collective, la fête Moonshine de Montréal, et bien d’autres encore. En 2018-2019, elle a été artiste en résidence à l’Institut A/P/A de l’Université de New York et a produit sa première exposition dans un musée de New York en 2019, un film audiovisuel sur la migration intitulé MigrantScape, avec une performance de DJ expérimentale dans le cadre de l’Open Call de The Shed. Thanushka est également organisatrice dans le domaine de la justice climatique et des droits des immigrants. Vous pouvez la suivre sur Twitter ou sur Instagram à @ty_ushka.
MigrantScape intègre les intérêts de Thanushka en matière de narration et de production sonore dans un film sur les expériences de quatre immigrants aux États-Unis. Dans ce documentaire sur la vie de quatre personnes de statuts d’immigration différents vivant à New York et à El Paso, l’œuvre aborde la relation de ces personnes avec le système d’immigration américain et la militarisation croissante des frontières. MigrantScape invite les spectateurs à réfléchir aux péages personnels que crée un système restrictif basé sur la peur. L'article est accompagné de recherches dans les archives et d’entretiens disponibles sur le site migrantscape.com.
Marigold Santos
Marigold Santos adopte une pratique interdisciplinaire de l’art qui comporte des œuvres dessinées, peintes et imprimées, ainsi que des sculptures, des animations et du son. À son arrivée au Canada, elle a d’abord perdu contact avec sa culture. Maintenant, c’est dans son identité qu’elle puise sa force. Santos s’intéresse à la transformation, utilisant ses souvenirs d’enfance évanescents et l’immigration de sa famille au Canada comme point de départ autobiographique. Les expériences deviennent des histoires, fragmentées en souvenirs et racontées de nouveau comme des mythes personnels. Elles sont négociées à travers l’acte du dessin, mais opèrent également comme récits narratifs. C’est dans cette zone d’action que Santos situe son œuvre. Les notions d’attachement et de séparation, d’enracinement et de déracinement, sont ultimement liées à l’investigation du «soi» et du «chez soi», et sont explorées dans une temporalité inventée (au sein de laquelle l’artiste regarde vers l’avant, les côtés et l’envers tout en tournant son regard vers l’arrière pour contempler une histoire jamais physiquement vécue) qui se manifeste par des soi partagés, hybrides et multiples. Dans ses récentes œuvres, l’imagerie surgit du surnaturel; les figures se mobilisent et embrassent la croissance, la fugacité et le soi en cheminement. Les œuvres offrent des failles comme points d’entrée, qui font reconnaître au spectateur les contradictions qui y résident, mais qui ne cherchent pas à atténuer la gêne ou l’inconfort. Santos puise son imagerie dans l’ambiguïté et l’absence d’absolus; il en résulte un récit visuel décousu, cumulatif et pluriel. Cette approche est devenue pour Santos le langage personnel avec lequel elle raconte ses histoires, un langage qui ne cesse de changer et d’évoluer, qui est constamment défini par la relation entre une image et la prochaine, et qui embrasse la précarité.
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